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CABEDAL

Artistas | Pavel Büchler, Nina Chua, Nick Crowe and Ian Rawlinson, Tiago Duarte, Nicola Ellis, Mary Griffiths, Shona Harrison, Ana Rosa Hopkins, Jo McGonigal, Fiona McKillop, Eileen O’Rouke, Richard Proffitt, Maeve Rendle, Evangelia Spiliopoulou.

Curadoria | Tiago Duarte e Ian Rawlinson

A exposição, para a qual foram selecionados trabalhos dos recém-graduados do Mestrado em Belas Artes da Manchester School of Art e dos seus tutores, é um convite a refletir como as práticas artísticas podem beneficiar de uma discussão partilhada e de uma experiência comum manifestada através de dez anos de teoria e prática. Apresenta um retrato da pedagogia desenvolvida a partir de um debate sobre a natureza dos trabalhos artísticos, caracterizado pela mudança de pensar o “trabalho da arte” em oposição à reflexão sobre a “obra de arte”.

“Cabedal” retira o seu nome da palavra portuguesa cabedal, sendo especificamente um material espesso e trabalhado – o tipo usado para sapatos e selas –, palavra que descreve um material forte e resistente, feito para durar. Idiomaticamente a palavra significa saúde e força mas aqui cabedal é uma referência a uma marca duradoura deixada nas coisas que vivem depois da morte do seu autor. Reflete o enfoque da exposição nas formas como os artistas investem num tratamento estético da superfície do objecto artístico como um índice de significado, autoridade e memória.

As qualidades do material que são expressas na superfície desses objetos, revelam não só a prática artística na realização dessas “coisas” mas servem para sublinhar questões curatoriais de sedução e rejeição na produção estética. Esta superfície trabalhada é assim, não tanto uma consideração da camada superficial da vida moderna mas uma área carregada de reinvenção, uma pele espessa, – como a palavra portuguesa diria – cabedal.

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“On the day we sailed, going through a narrow street with the residences of demented countesses, the shops of hallucinated bird dealers, and tourists bars where the English went for their morning gin transfusion, the taxi dropped us beside the Tagus on a strip of sand called Belem, according to what could be read on the nearby train stop with a scale on one side and a urinal on the other, and he caught sight of hundreds of people and teams of oxen that were bringing stone blocks for a huge building…”

In “The Return of the Caravels”, Antonio Lobo Antunes, Groove Press, New York, 1988

Manchester to Lisbon to Manchester

The white light that fills the atmosphere on a cold and crispy November day is no news for these prosperous cities at the western edge of Europe.
Somewhere from amongst the beloved seven hills of one of this cities caravels were carved out of the best available wood for the maritime enterprise that would make Lisbon one of the great commercial centres of the 16th, 17th and 18th century. At an equal latitude but further north of the Bay of Biscay, Manchester was still an embryonic project; this northern capital could not guess what links would emerge between the Portuguese voyage and the immanent economic boom that would transform the face of these cities and of the world.
In a time of enlightenment Lisbon carried the sounds that surrounded the busy streets flooded by small industries; The labour implied in the project of making the world a smaller place, blacksmiths, carpenters, food and spice markets, map making workshops, maritime academies, tanneries and the ever eternal flux of people in their day to day trades of a market place that each day presented something unknown to the traditional trade of the plazas of Europe.
Up north the dream of industry was being forged. As vast land resources opened up the planet diminished in size. Industry and its various implications for labour were redesigned and equipped with the propulsion to feed a market that was becoming global. In this world the craft attributes of the commodity where adapted to the speed necessary to manufacture and distribute product to the globe. Though the European enterprise ‘discovered’ land and rediscovered a use for its substances, a voracious capacity for distribution was immanent at the heart of its endeavour.

It seems that somehow the implication of both these enterprises, distinctive in intention and design, has had a strong influence on artists’ behaviour and achievements. The contradictions of both the expansion of the known world and the invention of the “modern commodity” shaped our cities, cultures and minds.

We wonder at how meaning can be extracted from the brutal social and economic transformations of the last three centuries in relation to the art being produced today? At how we draw a line from what has had a direct influence on production (whatever its nature) and what has not?
The overheated pressure to produce, to be productive, is matched only by the overwhelming call to consume and both are coercively established as the defining feature of modern existence.
To quote Peter Fischli – ‘There’s certainly a pleasure in occupying yourself with something for an unreasonable length of time’ (Fischli & Weiss, Flowers and Questions, Tate Modern, 2007) and this rebellion is a form of resistance to the choking and coercive social order that reproduces itself at every turn. To be modern is to be in a condition of alienation – and the condition of the artist is to be re-productive in the absence of any utilitarian, societal or ecological demand for art.
Although technological obsolescence is the conspicuous driving force of our current economy, artists continue to forge meaning from the availability of materials to work with. It seems that more than anything – meaning, for the artists, is extracted from the labouring activities of art itself. The doing as much as the making.
In Cabedal we encounter touch and manipulation, the savoir faire shoulder to shoulder with the motivation of intellectual nature and cerebral intention. These two notions are explored without confrontation. The expectancy for deliverance does not arrive solemnly from our attempt to comprehend but from our perceptive system as well. Without the “presumptuousness” of wanting something more from the art object than what it perceptively offers this exhibition is an invitation, an open door, an assumed “come and see”.

Cabedal is a word that describes a material by itself strong and resistant, made with the intention of lasting throughout its long use as an accessory or as a working tool. But, here ‘Cabedal’ is an allusion to the visible remains of things that have been done. Referencing not just the ephemerae of life in the scale of time but expressing the perversity of a long lasting “mark” left on things that tragically outlive their author. This exhibition intends to show how surface is worked through as both an aesthetic and conceptual concern and how different artists have played out these same concerns across different modes of production.
Superficially a dialogue emerges between how things look and our ambition to “understand through looking”. It is at the skin of each work that the physical theatre for artistic expression can be found – debating and deliberating surface and its appearance as a register of meaning, authority and memory.
The corporeal appearance of a surface allows our perception to uncover some of the methods and techniques utilized by the artists in the action of doing; the modus operandi with which each artist conducts their fabrication or alteration of objects. On the other hand our limited visual perceptions seduce or distract, revolt or emphasise without resolving or revealing.

“The true reality of an object lies only in a part of it; the rest is the heavy tribute it pays to the material world in exchange for its existence in space.”
In The Book of Disquiet, Fernando Pessoa, Serpent’s Tail, London, 1991.

These objects and their appearance operate in the most honest and perverse method of captivation by acting as bait for the eye. It is in the perceptive triangulation between object, its appearance and it’s possible “meaning” that surface acts as the intermediate channel between spectator and spectacle engaging the viewer with the art.
It is with these notions of surface, superficial and superfluous intertwined with the universal human condition for signifying and significance, that the show effects a release from notions of pure aesthetics, from veneers of appearance to justify deeper meanings.
In Cabedal the formal aspect of things are explored at the surface level. They confront us with not just the artistic practice in the making of these “things” but with questions of seduction and rejection. Cabedal is addressed and conducted through a code of “appearances” that manifest formal visual qualities by denuding the materials and ethics of production for such things.
In English to be possessed of a ‘thick skin’ is to be insensitive, however, here as Cabedal – it is to be of substance, resistant, strong and virile.

Publicado a 16 de Novembro de 2012

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“ACHAS QUE TE QUERIA MATAR? (y otros labOratórios)”

Olga Mesa

LabOratorio/labOfilm é um projecto de oficinas coreográficas gerador de instalações evolutivas (dípticos audiovisuais iniciado em 2011por Olga Mesa.
Nesta dupla projecção poderemos ver dois pontos de vista, de uma única cena. Rostos e corpos de mulheres de várias idades encontram-se, escondem-se, ocultam-se, olham-se, tocam-se e confundem-se num labirinto imaginário de ressonâncias espaciais e evocações. O som, recôndito multiplica e impõe os espaços.
A coreógrafa propõe a encenação do corpo Operador* numa rodagem. Num espaço labiríntico cheio de “fora de campo”, o corpo, a camara, o movimento, o som e a voz, traduzem a relação do ser com o mundo, com a realidade e a ficção, com o visível e invisível, com a memória individual e colectiva.
Este corpo Operador* não hierarquizado constrói a sua identidade abandonado uma experiencia de relevo e intercambio dentro do grupo, onde observar e ser observado será tão importante como acionar; e onde o outro será o lugar a partir do qual se irá construir uma memória comum.

*corpo Operador: corpo-olho que captura os seus impulsos e decisões num diálogo com a camara. Corpo que interpreta e realiza simultaneamente a montagem de uma sequência cinematográfica em tempo real, ou em diferido. Corpo num campo de batalha. É o ponto de contacto, e muitas vezes de choque entre o visível e o (in)visível, entre a ficção, o real e o imaginário.

Publicado a 16 de Novembro de 2012

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I WOULD PREFER NOT TO

A partir do conto de Herman Melville, Bartleby, o escrivão

Artistas | Carla Rebelo, Catarina Saraiva, Ema M, Jorge Pinheiro, Manuel Botelho, Pedro Saraiva e Rui Macedo.

I WOULD PREFER NOT TO é uma exposição de artes plásticas que se realiza no contexto do colóquio homónimo coordenado por Maria Lucília Marcos no âmbito do programa de investigação do CECL/FCSH-UNL Centro de Comunicação e Linguagem da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa.

Sete artistas são convidados a produzir um conjunto de trabalhos artísticos inéditos e especificamente para Espaço Plataforma Revólver 2, convocando as disciplinas de Pintura, Desenho, Escultura e Instalação a partir da interpelação dos conceitos: AMBIVALÊNCIA, RESISTÊNCIA, SUSPENSÃO, MELANCOLIA, INTERRUPÇÃO, IMPOTÊNCIA, INDIGNAÇÃO e TRABALHO. Estas palavras-chave surgem na releitura do conto de Herman Melville intitulado Bartleby, the Scrivener. A Story of Wall Street. As obras a expor serão documentadas, analisadas e criticadas num texto da autoria de Maria João Gamito.

Publicado a 16 de Novembro de 2012

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Artistas | Alexandre Farto, Ana Rito, Ângelo Ferreira de Sousa, Catarina Mil-Homens, Hugo Barata, Louise Hervé & Chloé Maillet, Nuno Sousa Vieira, Rodolfo Bispo, Sara & André, Tom Jarmusch

Curadoria | Patrícia Trindade

2012. Ano lendário de previsões apocalípticas. Ano de contenção, de austeridade, de crise. Com um cenário desolador de crescimento do desemprego, da dívida, de juros e de compromissos que se têm de cumprir “custe o que custar”. Vendemos os recursos básicos do nosso país, hipotecamos a educação e dizemos que afinal a saúde não é para todos, é para quem pode pagar. Neste contexto, a cultura (refiro-me aqui sobretudo às artes visuais), tal como a economia, está a estagnar mais rapidamente do que se esperava. Há pouco tempo atrás, ninguém calculava que hoje, a cultura, “ (…) estivesse em vias de extinção.” (1)

Haverá lugar para a produção artística no meio desta crise financeira? Qual o papel a desempenhar pelo artista nestas circunstâncias? Qual a posição da arte numa sociedade comandada pela direita? Perante o cenário sombrio que se tem vindo a desenhar, onde as únicas regras aplicadas são as do capital, a cultura ficará sempre em segundo plano. Contudo, no meio da penumbra, é fundamental encontrar luz ao fundo do túnel. Para isso, é preciso escavar:

DIG DIG é uma proposta expositiva que pretende refletir acerca do passado e futuro da cultura.

Os artistas convidados mergulharam no universo de referências do século transato para as trazer a debate e as desconstruir, assumindo os trabalhos, na sua maioria sítio-específicos, como cápsulas do tempo. De um tempo em que a palavra cultura era sinónimo de civilização, de valores, de conhecimento, enfim, de um modo de vida.

Os trabalhos apresentadas nesta exposição são um testemunho do pensamento, da identidade, da cultura e do contexto sociocultural contemporâneos. Uma forma de recordar que uma sociedade livre só existe quando existe cultura: “sem cultura não pode haver liberdade, só um perigoso simulacro”. (2)

Estes recipientes, onde ephemera, documentação e objetos de culto se aliam a referências, influências e objetos artísticos, serão desenterrados, abertos e descobertos pelo público no dia 27 de setembro na Plataforma Revólver, em Lisboa.

(1)- In REVISTA ÚNICA (24 de Setembro de 2011), Clara Ferreira Alves, Para acabar de vez com a Cultura. Ler mais: http://expresso.sapo.pt/para-acabar-de-vez-com-a-cultura=f675167#ixzz1tjMGlMwL
(2)- DIONÍSIO, Mário; “Cultura: Paradoxo e Angústia”. In Jornal de Letras, Artes e Ideias, nº5 (28 Abril 1981), p.16

Publicado a 11 de Setembro de 2012

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Artistas | André Gomes, Inez Teixeira, Lluís Hortalà, Magali Sanheira, Manuel Valente Alves, Pauliana V. Pimentel, Pedro Cabral Santo, Rui Sanches, São Trindade.

Curadoria | victor pinto da fonseca

«I do not want art for a few anymore than I want education for a few, or freedom for a few»
William Morris (1834 – 1896)

Lembrar o potencial e as possibilidades da arte, é romântico, num certo sentido. A exposição O Sonho de Wagner, retira o seu título ao documentário realizado em 2012 por Susan Froemke, sobre a magnífica produção de Robert Lepage da tetralogia de Wagner: O Anel de Nibelungo.
O Anel de Nibelungo (1848-1874) refere como a sociedade se torna refém do poder e do dinheiro e, como isso é destrutivo… Objectivamente, esta alusão – actualmente -é extraordinariamente importante: nós podemos ver isto, no tempo presente; os problemas, os sonhos, são os mesmos que agora nos ocupam. A sociedade esqueceu-se do essencial, parecendo que a economia se tornou na medida absoluta de como nós ordenamos e ditamos o progresso e o desenvolvimento. É interessante lembrar como no nosso país já não é possível sonhar, empreender é impossível mesmo, sobretudo na arte! Paradoxalmente só a arte nos oferece tudo.

Vasto Mundo o do Romantismo

O título da exposição O Sonho de Wagner, é também uma referência à arte pela arte, nosso último reduto de participação e liberdade e, segundo, uma referência ao romantismo – à necessidade de nos construirmos em liberdade de pensamento, que nos permita encontrar a verdadeira medida da nossa loucura, exaltando o prazer dos sentidos capaz de captar as emoções e a sensibilidade da humanidade. O romantismo enquanto arte, sempre apareceu ligado ao conceito de liberdade, de transcendência entre outros, no sentido revolucionário.
Ainda que o romantismo se exprima entre a época neo-classicista (quase em simultâneo, ainda que numa óptica antagónica) e o realismo, actualmente é difícil (insensato) estabelecer -com precisão – onde começa o romantismo em termos de espírito, comportamento e vontade. O termo “romântico” designa menos um período histórico ou um movimento artístico preciso, que um conjunto de qualidades, temperamentos, de atitudes e sentimentos – cujas particularidades residem na sua natureza específica e sobretudo na origem das suas relações. À medida da literatura, o romantismo terá a sua origem em Shakespeare (Romeu e Julieta) e reencontra-se em Baudelaire.
Mas o que é sobretudo original no romantismo, é o princípio que reúne naturezas duplas, através de uma linha que corre entre o sentimento (emoção) e a razão: ligação que não visa excluir as contradições ou resolver o dualismo (as antíteses) espírito/ coração, vida/ morte, finito/ infinito, do bem e do mal, mas acolhê-las numa coexistência (complementaridade) que constituí a verdadeira novidade do romantismo.

O critério simples que determinou a escolha metódica dos artistas, é poder encontrar personalidade romântica em aspectos da vida de cada um destes artistas, devendo o visitante fazer a sua própria leitura das obras expostas. É incrivelmente importante a complexidade que a prática artística nos pode trazer.
A exposição O Sonho de Wagner responde a um propósito específico, de incitar o visitante a apropriar-se no essencial do “sentimento romântico”.

Meia praia, Agosto 2012
victor pinto da fonseca

Publicado a 11 de Setembro de 2012

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Um projecto de Pedro Cabral Santo e Gustavo Sumpta

Artistas | Alexandre Estrela, Catarina Saraiva, Eduardo Matos, Élsio Menau, Fernando J. Ribeiro, Gustavo Jesus, Gustavo Sumpta, Maja Escher, Márcio Matos, Nuno Viegas, Pedro Cabral Santo, Teresa Carepo, Tiago Batista, Vasco Lourenço

Se, por um lado, é verdade que não se pode isolar o trabalho artístico do mundo real, por outro, também não deixa de ser verdade que a sua verdadeira avaliação, e contribuição, diríamos única, também não se deixa afirmar sob um pretenso carácter nobre que incide sobre ele próprio.

Na procura e na busca de “pureza”, de verdade e conhecimento, é relevante pensar este problema sobre um outro prisma – o seu comportamento. Isto é, de que forma se pode calcular (medição calculada) as suas acções (do trabalho artístico). Desde logo, há que contar com o oportunismo mediático, situações encenadas que fazem da praxis artística uma determinada imagem de marca, se quisermos, um estilo de reconhecimento social que, necessariamente, conduz a uma estratégia de afirmação! Neste contexto, podemos encontrar alguma incongruência entre o discurso e a atitude no duplo sentido; na recusa estóica em prol do “procura de realidade” e, por outro lado, no uso de sinais exteriores de reconhecimento tão típicos da nossa sociedade.

Publicado a 1 de Junho de 2012

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OS CULTUROFAGISTAS
Curadoria | Ana Fonseca e Mara Castilho

Artistas | Ana Fonseca, Gabriela Gusmão, Gustavo Nóbrega, Mara Castilho, Márcio Botner & Pedro Agilson, Rosana Ricalde, Sara & André

O poeta declarou “A minha pátria é a língua portuguesa”, e o cantor, do outro lado do Atlântico, acolheu esta ideia de braços abertos.

Os Culturofagistas é um projeto entre artistas Portugueses e Brasileiros que aqui toma a forma de uma exposição ancorada na celebração de uma língua comum através da sua poesia. O cais de partida são letras de Samba e Fado, expressões vivas do património imaterial intrínseco a cada um destes dois povos. Os artistas foram convidados a revisitar a sua própria língua e a proceder à criação de uma obra original a partir de um poema musicado.

Ao despojar as letras de suas vestes musicais, sublinha-se a criação poética e camuflam-se as origens, semeando um certo distúrbio sobre a sua proveniência. Um certo espírito de Babel: dificilmente se saberá quais os objetos artísticos que se baseiam num Fado e quais os que se inspiram num Samba.

Certo é que todos celebraram uma língua comum e duas expressões musicais de riqueza ímpar, ambas reconhecidas pela UNESCO como património imaterial da Humanidade.

Apoios: Ministério da Cultura (BR), A Gentil Carioca (BR), 3 + 1 Galeria (PT), Força Motriz (PT), Eforgest (PT)

Publicado a 1 de Junho de 2012

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O PESO E A IDEIA

PLATAFORMA REVÓLVER (Piso 1)

Ana Fonseca, Bryn Chainey, João Ferro Martins, Nuno Vicente, Orlando Franco, Samuel Rama, João Pombeiro, Ricardo Quaresma Vieira, Marisa Benjamim, Rita Firmino de Sá, Rodrigo Bettencourt da Câmara, Vítor Reis, Susana Anágua, Ruth Le Gear, Sara Wallgren

Curadoria | Orlando Franco e Nuno Vicente

A ideia parte do questionar um objecto/obra a partir das suas principais premissas existenciais: a forma e o conceito. Na sequência disso, e a partir de uma intenção de discutir estas premissas, Orlando franco e Nuno Vicente principiaram numa problematização entre a dimensão física e conceptual de uma obra, por um lado, no entendimento plural desta dicotomia, por outro, a forma como esta é entendida na singularidade de cada artista.
De modo rizomático, os artistas surgem no seguinte contexto como o resultado duma aproximação de vários pensamentos, operado sob a velha formula da empatia e da admiração mutua, quer umas vezes, pelo trabalho, quer outras pela sua postura. Tautológico, foi a constatação por parte dos artistas que na arte existe a oscilação de um binómio constituído pela forma e o conteúdo da obra, uma premissa básica e suficientemente abrangente para conveniência ou urgência de um mote institucional que possa ditar a conexão dos vários artistas em exposição.
A constituição de um catálogo é à parte com a exposição, o momento procurado pelos artistas como possibilidade de expressão, operado de modo múltiplo e onde cada um dos intervenientes irá falar de modo aberto através de um texto, sobre a intenção artística, mais do que sobre os seus trabalhos, apresentando seus pontos de vista e o que deveria para cada um ser a arte e a sua direcção.

Publicado a 20 de Abril de 2012

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OBJET TROUVÉ

PLATAFORMA REVÓLVER (Piso 2)

Pedro Telmo Chaparra, Miguel Faro, Alexandre A. R. Costa, Biana Costa, Teresa Forbes, Javier Núñes Gasco, André Graça Gomes, Stefan Kornacki, Dominik Lejman, Melanie Manchot, Régis Perray, João Ribeiro, José Eduardo Rocha, André Teles.

Curadoria | Mário Caeiro

Objet Trouvé. A cidade é um cadáver esquisito.

OBJET TROUVÉ é a segunda de uma série de exposições dedicadas ao objecto do ponto de vista da ética da arte pública. A primeira exposição – OBJET PERDU – manifestou aspectos críticos da produção objectual face ao regime da arte contemporânea: o valor da imponderabilidade no processo colaborativo, o dinamismo da interligação entre os níveis da representação e da reflexão ou, finalmente, a multivocidade da acção artística no quotidiano. Na trama de argumentos, conforme concretizada na modalidade do dispositivo expositivo, a noção de perda constituiu o leit motiv para relacionar a produção artística com um certo distanciamento dos criadores face às narrativas culturais e ideológicas, mormente a própria ‘arte’.

Em 2012, este padrão de reflexividade, típica da arte crítica, desenvolve-se, ironicamente, no sentido do reencontro com o objecto. OBJET TROUVÉ reúne treze artistas cujos trabalhos contribuem para uma perspectiva multidimensional da vida colectiva, enquanto lugar-objecto de redenção social. Num encontro tão frágil e efémero quanto fulminante, e independentemente das estratégias de representação e interacção estética em causa, a ideia de palimpsesto enquadra esta emergência de uma forma social de que todos somos personagens à procura de um autor. Tal formação é historicamente uma deriva utópica, motivada por carências pedagógicas e terapêuticas (como na Bildung romântica). Na tradição da arte como techne, trabalho sobre as formas nas coisas, redunda num ethos que acarreta escolhas ao nível do dispositivo plástico e projectual. Os objectos tornam-se então testemunhos das acções que os definem; mas genuinamente graciosos apenas quando encontro com o outro e com o social, compassivamente.

Em OBJET TROUVÉ, este jogo crítico da inscrição do poder da arte continua a assentar na possibilidade da concreção objectual. Não como na praxis surrealista (reduzida pela história a uma linguagem), mas algures entre a noção mundana da trouvaille, o motivo processual da serendipidade e o desejo meta-comunicacional do aforismo. Em tempo de sound bites e verdades extremamente residuais, e face ao estertor tanto da reflexão política como do modelo de produção industrial, será que a discreta auto-contenção destas obras, fruto da distanciação dos autores para com as narrativas colectivas dominantes, não poderia ser vista como uma moral transparente da arte como tradição superada?

No quadro confinado dos espaços galerísticos, estas questões têm-se traduzido em práticas relacionais, nem sempre o discurso indo ao encontro de uma experiência produtiva do sublime. Daí a relevância de uma arte que traduz em luminosos encontros estéticos os sentimentos que mais fundamente motivam o devir da cidade, esse palimpsesto urbano violentamente descontrolado que entretanto se constitui como imagem representativa da nossa espécie e suas formas de habitar. Ao mesmo tempo, essa arte – transmissão de memória, vislumbre de possíveis, resiliência da polis – é antes do mais um modo produtivo de ir ao encontro do(s) objecto(s), experimentando mecanismos de jogo e acção, de encenação ou afastamento, explorando toda uma gramática da consciência e em particular a do efémero específico da condição artística no socius. Só que então, se a cidade é ela própria o objet trouvé destas práticas de apropriação e análise, não seremos nós próprios sucessivos ready mades (cada vez menos energéticos?) e a cidade o nosso museu, pejado de objectos perdidos e encontrados? A cidade é um cadáver esquisito.

Mário Caeiro
Lisboa, 2012

Publicado a 20 de Abril de 2012

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SUBTLE CONSTRUCTION

Carlos Bunga, Matias Machado Cristian Rusu, Sancho Silva, Yukihiro Taguchi, Sinta Werner

Curadoria Marta Jecu

A exposição Subtle Construction tem como objectivo explorar as potencialidades do espaço construído, da construção na sua forma minimal. Esta exposição representa uma tentativa de investigar a arquitectura transformável. Terá em consideração as qualidades flexíveis, performativas e generativas da arquitectura. O projecto parte do entendimento que a arquitectura que não está ligada a um certo aparelho de mediação ou forma visual. É concentrado na arquitectura efémera e em formas transitórias dos processos de construção.
Os artistas envolvidos trabalham com o espaço, a ausência, temporalidades sobrepostas e configurações espaciais, numa pluralidade de meios, tais como o desenho, a instalação, a performance e a animação de objectos. Os trabalhos estão ligados ao espaço vazio, à ausência de acção e narração, o outro lado da visibilidade. Tornam assim possível a experiência de uma dimensão virtual dos seus ambientes, trazendo à consciência potencialidades não manifestadas de locais, situações e objectos. Estes tornam-se actuais, experimentáveis, através do complexo processo de construção, no qual o artista actua, documenta e reencena.
Subtle Construction propõe uma investigação sobre as possibilidades contemporâneas da realização do virtual, a qual não depende de meios digitais, mas que acarreta a consciencialização filosófica da era digital. As construções resultam de processos que sobrepõem espaços e varias temporalidades com modos básicos e extremamente minimais de lidar com o espaço e o objecto. Todos os trabalhos têm em comum a preocupação com a representação analítica do espaço e uma abordagem do quotidiano que está próxima dos receptores e interage com estes processualmente. A performatividade, pela sua afirmação natural e forma de expressão de situações e ambientes é entendida como activa, trazendo movimento ao espaço e gerando um processo de transformação. As obras são mediações da presença histórica, padrões de representação, de teatralidade, trazendo um registo de intensidade na arquitectura.
É parte integrante da exposição Subtle Construction a escultura performativa de Hironari Kubota, The spinning idol ~ ???? Senjyu-Kannon. A performance será realizada no dia 15 e 19 de Novembro e a peça continuará em exposição até dia 31 de Dezembro no Jardim das Oliveiras, no CCB, com o apoio do Museu Colecção Berardo.
Subtle Construction conta também com um livro teórico (Bypass Editions) dedicado ao virtual e ao imaginário na arquitectura, com as contribuições de Luis Santiago Baptista, Sancho Silva, Manuel Aires Mateus, Carlos Bunga, João Silvério, Pedro Gadanho, Sinta Werner, Dana Bentia, Matias Machado, Garrett Ricciardi e Julian Rose, Yukihiro Taguchi, Cristian Rusu, Hironari Kubota.

Apoios: Japan Foundation, Câmara Municipal de Lisboa, Romanian Cultural Institute, Goethe Institute, Gamut, Largo Residências, Plastimar, Museu Colecção Berardo, Turismo de Lisboa, Embaixada da Argentina, Plataforma Revólver,Artecapital.net, Sobreira & Serras, Arta.

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curator Marta Jecu

Carlos Bunga, Matias Machado, Cristian Rusu, Sancho Silva, Yukihiro Taguchi, Sinta Werner

The exhibition S u b t l e C o n s t r u c t i o n is meant to explore the potentialities of built space and to investigate transformable architecture. It will take into consideration the flexible, performative and generative qualities of architecture. The project has a starting point an understanding of architecture that is not connected to a certain medial device or visual form. It is concentrated on ephemerous architecture and transitiory forms of building processes. The artists involved work with architectural space in a plurality of media like drawing, installation, performance, animation, object. The works deal with empty space, absence of action and narration, the reverse side of visibility. They make possible the experience of a virtual dimension of their environments by bringing into consciousness unmanifested potentialities of places, situations, objects. These become actual, experienceable, through complex building processes, which the artist perform, document, re-enact.
S u b t l e C o n s t r u c t i o n intends to propose an investigation of contemporary possibilities of realization of the virtual, which is not dependent on digital means, but which carry the philosophical awarenesses of the digital era. Constructions result from processes that superpose spaces and various temporalities with extremely minimal, basic modes of dealing with space and the object. All the works have in common a concern with an analytical representation of space and a quotidian approach, that is close to the receptors and interacts with them processually. The performativity, by which the natural affirmative, expressive power of situations and environments is perceived as active, brings movement into space and generates transformation process. The works are meditations on historical presence, patters of representation, on theatricality, and bring a register of intensity in architecture.
As part of Subtle Construction is also the performative sculpture of Hironari Kubota The spinning idol ~ ????Senjyu-Kannon which will be performed on the15th and 19th November and shown until the 31st of December 2011 in the CCB Olive Tree Garden and is supported by the Berardo Collection.
Subtle Construction issues also a theoretical book issued by Bypass and devoted to the virtual and the imaginary in architecture, which benefits of the contribution of Luis Santiago Baptista, Sancho Silva, Manuel Aires Mateus, Carlos Bunga, Joao Silverio, Pedro Gadanho, Sinta Werner, Dana Bentia, Matias Machado, Garrett Ricciardi and Julian Rose , Yukihiro Taguchi, Cristian Rusu, Hironari Kubota.

Sponsors and Partnerships:
The Japan Foundation, Câmara Municipal de Lisboa, Goethe Institute, Romanian Cultural Institute, Museu Colecção Berardo, Plastimar, Largo Residencias, Gamut, Turismo Lisboa, Embaixada da Argentina, Transboavista, Sobreira & Serras, Plataforma Revolver, Arta

Publicado a 2 de Dezembro de 2011

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